I 10 migliori film del 2025 secondo Variety – 1
Il cinema è la grande evasione. “Finali ottimisti, romanzi appassionati,” canta il sognatore carcerato di “Il bacio della donna ragno,” che guarda ai vecchi film di Hollywood come a un’oasi di bellezza e fede. Eppure nel 2025, un anno in cui il dramma dell’intrattenimento è stato messo in ombra dal cataclisma della realtà, i film in cui fuggivamo avevano spesso una singolare vitalità legata al mondo reale. Il titolo di “Una Battaglia Dopo l’Altra” racchiude perfettamente un momento in cui il dramma sembrava spesso riversarsi dallo schermo nei notiziari quotidiani delle persone. (La condanna al carcere recentemente inflitta al regista iraniano Jafar Panahi dal regime del suo Paese è sembrata quasi un atto aggiuntivo di “È Stato Solo un Incidente,” la sua avvincente denuncia della crudeltà dispotica). Nel 2025, i principali critici cinematografici di Variety, Peter Debruge e Owen Gleiberman, hanno trovato un film dopo l’altro, da “Marty Supreme” a “28 Anni Dopo,” in cui l’evasione stessa era intrisa del morso della realtà. Questi sono i film che ci hanno fatto sognare, in parte perché erano abbastanza potenti da farci svegliare.
La Top 10 di Peter Debruge
1. Dreams (Sogni) (USA) di Michel Franco
La diciassettenne Johanne (Ella Øverbye) scopre l’amore in modo indiretto, nelle pagine di un libro, e quando quel sentimento travolgente per un’altra persona la colpisce per la prima volta, il suo istinto è quello di metterlo per iscritto. Per un certo periodo, il suo stato emotivo alterato — un’ossessione adolescenziale per un’insegnante di nome Johanna (Selome Emnetu) — è un segreto condiviso solo con il pubblico. Poco a poco, mentre questa timida adolescente si apre agli altri, il regista norvegese Dag Johan Haugerud ci invita a chiederci quanto di ciò che vediamo e sentiamo sia realmente accaduto e quanto sia avvenuto nella testa di Johanne. Romanziere che giustamente riconosce il cinema come il mezzo dei nostri tempi, Haugerud intuisce l’uso del colore, della texture e della musica meglio di molti registi di carriera, illuminando il risveglio personale di Johanne, mentre osa sollevare domande provocatorie su come le varie parti vivono inevitabilmente una relazione in modo diverso. Sebbene alcuni puristi vedano la narrazione come un espediente, la Trilogia di Oslo di Haugerud — tre studi vagamente interconnessi sull’attrazione moderna, intitolati “Sex,” “Love” e “Dreams” — dimostra quanto profondamente la voce fuori campo possa arricchire la dimensione psicologica di un film. Qui, in un film queer che riflette con cuore aperto una generazione non preoccupata dalle etichette, c’è il progetto che meglio mantiene la promessa dell’ultima meraviglia cinematografica della Norvegia, “La persona peggiore del mondo” di Joachim Trier.
2. La Storia di Souleymane (FRA) di Boris Lojkine
Operando nello stile urgente, strappato alla realtà, dei fratelli Dardenne, il regista francese Boris Lojkine focalizza la nostra attenzione su un singolo esempio, intensamente riconoscibile, della crisi migratoria europea: un sincero (anche se non del tutto onesto) rifugiato guineano che cerca asilo a Parigi. Il film rivela un lato molto meno romantico dell’iconica città, esponendo sfide che non avevo mai considerato: ad esempio, come coloro che sono senza documenti debbano pagare tasse esorbitanti a intermediari opportunisti, o la lotta quotidiana per un posto dove dormire. Abou Sangaré, un meccanico senza precedenti esperienze di recitazione, è stato premiato a Cannes per la sua commovente interpretazione di Souleymane, la cui storia — quella che alla fine condivide con l’assistente sociale nel suo importantissimo colloquio — è stata direttamente ispirata dalla stessa esperienza di Sangaré. L’attento ritratto di Lojkine dà un volto umano a una crisi più ampia, invitandoci a considerare le vite ricche di tutti quei rider anonimi che abitualmente trascuriamo. In mezzo a tanta ostilità, anche un piccolo gesto di spontanea gentilezza (come il lavoratore di un ristorante che gli offre un dolce) può significare il mondo.
3. Una Battaglia Dopo l’Altra (USA) di Paul Thomas Anderson
Si può tracciare una linea diretta dal classico Western americano attraverso “Sentieri selvaggi” di John Ford fino alla scatenata baldoria postmoderna di Paul Thomas Anderson, in cui la giustizia (nella forma del Colonnello Lockjaw di Sean Penn, che cammina come un tacchino) arriva per un vecchio fuorilegge trasandato (Bob Ferguson di Leonardo DiCaprio). Vedo questa “Battaglia” come l’ultima decostruzione dell’archetipo dell’eroe americano: in un film più classico, Bob sarebbe quello a salvare la situazione quando Lockjaw rapisce sua figlia Willa (Chase Infiniti), ma parte della battuta qui è che il personaggio di DiCaprio, un tempo membro pieno di risorse di un gruppo idealista anti-governativo, è troppo stordito da anni di indolenza e abuso di droghe per essere di grande aiuto. Bob è sempre due passi indietro, mentre Willa si dimostra abbastanza intelligente da difendersi da sola. Sebbene ogni scena mi sia rimasta impressa nella memoria, la mia preferita si svolge tra DiCaprio e Teyana Taylor (nei panni della madre di Willa, di mentalità indipendente), quando lei lascia la sua famiglia. Quel momento è un indizio di dove risieda veramente l’anima del film: un ritratto complesso di Anderson della sua esperienza di paternità.
4. Il Suono di Caduta (GER) di Mascha Schilinski
Raro è il film che ci richiede di ripensare il modo in cui diamo un senso ai film, e preziosi sono quei registi, come la visionaria newcomer Mascha Schilinski, che sono capaci di proporre un’alternativa intuitiva a un secolo di narrativa cinematografica. Potrei andare oltre e sottolineare che i registi maschi sono stati in gran parte responsabili della creazione del modello che ora domina — quello del protagonista orientato all’obiettivo, che cerca di risolvere un problema specifico in un lasso di tempo limitato. Al contrario, Schilinski sceglie di concentrarsi su un’unica location, una fattoria rurale tedesca vista attraverso gli occhi di più generazioni. Lei enigmaticamente si muove avanti e indietro attraverso le epoche, trovando echi di traumi e tragedie passate (una giovane donna, che deve essere sterilizzata prima di servire come cameriera, si butta sotto un carro, mentre un’altra ragazza salta dal fienile, convinta di poter volare). Questa forma non convenzionale può essere disorientante all’inizio, ma è riccamente gratificante quando iniziamo a conoscere i personaggi e a stabilire connessioni astratte, facendo libere associazioni tra le varie trame.
5. 28 Anni Dopo (UK) di Danny Boyle
Non sono passati esattamente 28 anni da quando il regista Danny Boyle e lo sceneggiatore Alex Garland ripensarono radicalmente il film di zombie con “28 giorni dopo,” spostando l’attenzione dal commento sociale dei film “Living Dead” di George A. Romero a un trattamento viscerale delle fobie sottostanti al genere: paura di infezione, comportamento della folla e perdita di autonomia. Ignorando saggiamente il (relativamente debole) sequel “28 settimane dopo,” la coppia torna ora in un Regno Unito ancora in quarantena, osservando come i sopravvissuti umani siano regrediti a tribù primitive. Nel frattempo, “gli infetti” si sono evoluti (la parola “zombie” viene pronunciata solo una volta, da un soldato in visita dal continente europeo), il che fornisce al film alcuni thrill molto efficaci, anche se la ragione per cui questo film mi ha scosso — emotivamente, intendo — è che Boyle e gli altri hanno chiaramente riconosciuto che stavano raccontando una narrazione post-pandemica per una società (la nostra) che aveva appena sopportato una pandemia (COVID-19), costruendo un’opportunità per elaborare il lutto e processare ciò che abbiamo attraversato collettivamente attraverso la sequenza catartica del Tempio di Osso.
6. Marty Supreme (USA) di Josh Safdie
Il ping-pong è un passatempo abbastanza sciocco — un concetto che non sfugge al regista Josh Safdie, che fa seguire al prolungato attacco di panico che fu “Diamanti grezzi” una variazione mozzafiato sul genere del film sportivo (uno in cui lo sport in questione non riscuote alcun rispetto). La molla a spirale Timothée Chalamet quasi vibra nei panni di un venditore di scarpe di New York dalla parlantina veloce di nome Marty Mauser, convinto di essere il miglior giocatore di ping-pong di tutti i tempi — un’impresa di grandezza dubbia — fino a quando un professionista giapponese con un colpo cattivo ridimensiona il suo ego. Ciononostante, la sicurezza di Marty è alle stelle, mentre si fa strada con astuzia verso una potenziale rivincita. Il tutto si traduce in uno studio di personaggio esaltante e in un uso particolarmente ispirato della spavalda persona fuori dallo schermo di Chalamet. Safdie dà a Marty ancora più da compensare dietro un trucco butterato, baffi peach-fuzz e denti storti, creando un archetipo fuori misura a cui faremo riferimento per le generazioni a venire.
7. Un semplice Incidente (IRAN) di Jafar Panahi
Tra il thriller vincitore della Palma d’Oro di Jafar Panahi e “Il seme del fico sacro” del suo caro amico Mohammad Rasoulof l’anno scorso, il cinema iraniano ha svoltato. Per anni, gli artisti cinematografici più vitali del Paese hanno cercato di trasmettere le loro critiche al regime nel modo più sottile e subtestuale possibile, per non essere arrestati. Anche così, sia Panahi che Rasoulof hanno scontato la pena nel carcere di Evin a Teheran, e questo film segna la risposta inequivocabile di Panahi ai suoi oppressori: un avvertimento a coloro che sono al potere che coloro che torturano e puniscono alla fine invertiranno la situazione. Ma Panahi fa qualcosa di sorprendente con questa premessa — in cui ex detenuti riconoscono e catturano il loro sadico interrogatore — mettendo in discussione se la vendetta sia la risposta appropriata a tale trattamento. Girando in segreto nelle condizioni più restrittive, il maestro ha consegnato un’opera di sorprendente complessità morale, culminando in un colpo di scena che potrebbe aver anticipato il suo stesso destino.
8. Train dreams (USA) di Clint Bentley
Il regista Clint Bentley (il cui “Jockey” ha superato la mia lista dei migliori film del 2021) crea un omaggio elegiaco agli anonimi lavoratori blue-collar che hanno dedicato il loro tempo, sforzo e talvolta la loro vita all’abbattimento di alberi e alla costruzione di ferrovie. Con le sue mani ruvide e gli occhi gentili, Joel Edgerton è più che semplicemente convincente nei panni del boscaiolo pacato Robert Grainier; ci attira in profondità nelle ruminazioni private di un uomo che forse mancava di istruzione, ma cerca di comprendere l’amore, il dolore e il senso di colpa che prova nei suoi otto decenni sulla terra. Quanti come lui ha dimenticato l’America? Nella tradizione di “I giorni del cielo” di Terrence Malick, Bentley trova immagini evocative (come un albero che ha inghiottito gli stivali inchiodati al suo tronco) per arricchire la bellezza della prosa di Denis Johnson. Fatevi un favore e guardatelo sul grande schermo, se possibile, dove quella grandiosità dell’ora magica — e le idee profonde che suscita — possono avvolgervi completamente.
9. La Torta del Presidente (IRAQ) di Hasan Hadi
Proprio quando pensi di aver visto film da ogni angolo del globo (e più di qualcuno ambientato in galassie molto, molto lontane), arriva una piccola meraviglia da un posto come l’Iraq per espandere i tuoi orizzonti. Attingendo ai ricordi della sua infanzia mesopotamica, lo scrittore-regista Hasan Hadi incentra il suo film d’epoca ambientato negli anni ’90 su una contadina di nome Lamia (Baneen Ahmed Nayyef) a cui viene data la responsabilità di cucinare una torta in onore del compleanno di Saddam Hussein — un compito gravoso per una bambina di 9 anni con poco più di un gallo a suo nome. Ma Lamia è intelligente e si allea con un compagno di scuola borseggiatore per raccogliere le provviste necessarie in un film che si svolge con la stessa sensibilità umanistica osservativa dei migliori film che venivano realizzati nel vicino Iran all’epoca — film come “Il palloncino bianco” e “I ragazzi del paradiso,” in cui le preoccupazioni dei bambini illuminano la mentalità della nazione.
10. Steve (USA) di Tim Mielants
Netflix produce un sacco di slop, ma di tanto in tanto, un piccolo tesoro come “Steve” riesce a farsi strada per ricordare che la piattaforma di streaming (che proprio questa settimana ha presentato un’offerta per lo studio storico Warner Bros.) è capace di più di sludge natalizio e documentari true-crime. Ambientato in una scuola dell’ultima chance per giovani uomini delinquenti, “Steve” riunisce Cillian Murphy con il regista Tim Mielants, suggerendo che invece di riposare sugli allori della sua vittoria all’Oscar per “Oppenheimer,” l’attore irlandese è ancora assetato di lavoro stimolante. In una performance migliore della sua carriera, Murphy interpreta il disperato preside dell’istituto, il cui impegno incrollabile per una manciata di casi estremi può resistere ai tagli ai finanziamenti solo per un certo periodo. L’approccio inventivo di Mielants — un audace equilibrio tra riprese grezze in stile documentario dei ragazzi problematici e scorci concettuali negli stati mentali dei suoi personaggi più vulnerabili — rende lo lento sfaldamento ancora più acuto.
Altri 10 da tenere d’occhio: “Black Bag” “BLKNWS: Terms & Conditions” “Bring Them Down” “Bugonia” “Hamnet” “Jay Kelly” “Nirvanna the Band the Show the Movie,” “Nouvelle Vague” “Sorry, Baby” “Twinless”
